Chi è Dryphoto arte contemporanea?
Dryphoto arte contemporanea è uno spazio no profit che inizia la propria attivita nel 1977 in molteplici ambiti culturali, organizzando mostre, conferenze, spettacoli e workshop.
All’epoca, un nucleo di artisti e operatori culturali s’incontrava per confrontarsi sulle peculiarità del linguaggio fotografico, per creare progetti sperimentali e organizzare mostre. Riflettere sul significato linguistico del medium fotografico, sui meccanismi della visione e della rappresentazione della realtà significava allontanarsi dalle istanze della fotografia a carattere etnografico e antropologico e dalla linea del fotoreportage.
L’attività espositiva della galleria è caratterizzata da un’attenzione costante ai giovani, senza però dimenticare artisti già affermati.
Dryphoto ha da sempre cercato una relazione privilegiata con il territorio che abita, una vocazione politica che ci accompagna fino dalla nascita, lavorare tenendo conto del qui ed ora, senza cadere in nessuna sorta di provincialismo.
Dalla necessità di uscire dai vari cerimoniali espositivi, dal rifiuto di vivere solo in spazi ed ambiti privilegiati ed istituzionali siamo arrivati alla creazione di progetti che, attraverso il coinvolgimento di diverse figure professionali, tengono conto della realtà economica e socio-politica del territorio nel quale ci troviamo ad operare influenzata dai grandi cambiamenti avvenuti a livello globale.
Nel 2011 Dryphoto arte contemporanea si trasferisce nell’attuale sede di via delle Segherie 33a. La Direzione è affidata a Vittoria Ciolini. Dryphoto arte contemporanea è l’organizzatore di Piazza dell’Immaginario.

 

Andrea Abati
Giardino Melampo, Prato 2012/2013
Fotografia a colori
Courtesy dell’artista e Dryphoto arte contemporanea

Cos’è Giardino Melampo?
È un piccolo giardino aperto a tutti, in via delle Segherie a Prato. Sorto al posto di un spazio residuale e abbandonato. È al contempo uno spazio di socialità e condivisione, dove rilassare il corpo e la mente, scambiare emozioni, per non aspettare sempre che qualcuno faccia per te.

Quali sono gli autori che hanno influenzato il tuo lavoro artistico?

Gli artisti Joseph Beuys, Luigi Ghirri, Anibal Lopez, Gianni Motti, Bruno Munari, August Sander. Gli scrittori James Hillmann, Georges Perec e Peter Handke, il filosofo Carl Gustav Jung, la vita di Nelson Mandela. Il cinema di Wim Wenders e di Rainer Werner Fassbinder.

Dov’è stato mostrato in precedenza questo lavoro?
Nella retrospettiva I luoghi del mutamento a Palazzo di Giano, Pistoia nel 2015 e al 49° Premio Suzzara NoPlace3.Space a Suzzara (MN).

Andrea Abati è nato a Prato nel 1952. Vive e lavora a Prato.

(Dryphoto当代艺术小组）我们是谁?

Dryphoto当代艺术小组是一个成立于1977年的非盈利性质的艺术空间，

一群艺术家以及文化工作者汇集一堂共同成立了该小组，来反思图像语言的独特性同时开展试验艺术项目并组织相应的展览。他们反思的内容包括了影像媒体所折射的语言符号含义，视觉机理以及对现实的再现。这种再现从人种学以及人类学角度远离所谓瞬间影像以及新闻摄影。

Dryphoto的展览总是聚焦在年轻前卫的艺术家，但是同时也不忘记那些资历深厚的艺术家。

考虑到此时此刻的概念，抛弃地方主义的杂念，Dryphoto从初始便不断找寻着与其扎根的土地以及与政治理念相关联的特殊关系。

其需求理念为跳出不同的会展场地，拒绝在高贵优厚的场所以及唯一化的官方场地。鉴于在世界范围内所出现的各类巨大变化，Dryphoto在了解其项目开展所在地的社会政治以及经济现状的基础上，创办跨领域的不同项目。

2010年，Dryphoto当代艺术小组迁址到目前所在地：via delle Segherie 33ª。现在该小组负责人为Vittoria Ciolini。与此同时Dryphoto是“理想的广场”项目的主办方。

Andrea Abati
Melampo 花园, Prato 2012/2013

彩色照片
艺术家及Dryphoto当代艺术小组致辞

什么是Melampo 花园？

是在普拉托via delle Segherie的一个对所有人都开放的小花园。建立在一个无人居住的地方。同时它也是一个社交和分享的空间，能放松身心，交换情绪的地方，为了不要每次都等别人帮你做。

都有哪些艺术家影响了你的艺术作品呢？
有Joseph Beuys, Luigi Ghirri, Anibal Lopez, Gianni Motti, Bruno Munari, August Sander这些作者们，James Hillmann, Georges Perec e Peter Handke这些作家们, 哲学家 Carl Gustav Jung, Nelson Mandela的一生。

之前在哪里展示过这个作品？
在I luoghi del mutamento，Palazzo di Giano，Pistoia 2015年举办过，也在第49个Premio Suzzara NoPlace3 于Suzzara（MN）举办过。

Andrea Abati 出生于1952年在普拉托，目前在该市居住和生活。

Chi è Dryphoto arte contemporanea?
Dryphoto arte contemporanea è uno spazio no profit che inizia la propria attivita nel 1977 in molteplici ambiti culturali, organizzando mostre, conferenze, spettacoli e workshop.
All’epoca, un nucleo di artisti e operatori culturali s’incontrava per confrontarsi sulle peculiarità del linguaggio fotografico, per creare progetti sperimentali e organizzare mostre. Riflettere sul significato linguistico del medium fotografico, sui meccanismi della visione e della rappresentazione della realtà significava allontanarsi dalle istanze della fotografia a carattere etnografico e antropologico e dalla linea del fotoreportage.
L’attività espositiva della galleria è caratterizzata da un’attenzione costante ai giovani, senza però dimenticare artisti già affermati.
Dryphoto ha da sempre cercato una relazione privilegiata con il territorio che abita, una vocazione politica che ci accompagna fino dalla nascita, lavorare tenendo conto del qui ed ora, senza cadere in nessuna sorta di provincialismo.
Dalla necessità di uscire dai vari cerimoniali espositivi, dal rifiuto di vivere solo in spazi ed ambiti privilegiati ed istituzionali siamo arrivati alla creazione di progetti che, attraverso il coinvolgimento di diverse figure professionali, tengono conto della realtà economica e socio-politica del territorio nel quale ci troviamo ad operare influenzata dai grandi cambiamenti avvenuti a livello globale.
Nel 2011 Dryphoto arte contemporanea si trasferisce nell’attuale sede di via delle Segherie 33a. La Direzione è affidata a Vittoria Ciolini. Dryphoto arte contemporanea è l’organizzatore di Piazza dell’Immaginario.

Pantani-Surace
La responsabilità dei cieli e delle altezze, 2014
Courtesy degli artisti

Perchè La responsabilità dei cieli e delle altezze?
La responsabilità dei cieli e delle altezze è un’immagine dell’azione svolta in via Pistoiese 142/146, Prato, il 24 aprile 2014, che è stata l’inizio del progetto Piazza dell’Immaginario.
L’azione è partita dalla produzione di tre matrici contenenti, ciascuna, un ideogramma cinese e che, lette insieme, hanno formato il messaggio “ti amo”. Le persone che erano in piazza in attesa di capire che cosa sarebbe accaduto sono state invitate a compiere il passaggio successivo, saltellare e saltellare sulle matrici, per imprimere gli ideogrammi sulla carta. Poi questi tre ideogrammi stampati su carta sono appartenuti alla piazza finché il tempo, il vento e la pioggia lo hanno permesso.

** foto degli ideogrammi in piazza

Ora, nell’edizione di 2015, l’immagine, che appartiene alla memoria dei vicini che hanno partecipato all’azione e a quella di chi ha visitato il sito di Dryphoto e ha visto il  video e le immagini di documentazione di quel momento così speciale, si condivide con un pubblico più ampio, mostrando questa intimità della piazza come opera d’arte.

Quali sono gli autori che hanno influenzato il vostro lavoro artistico?
Lo scrittore Philip Roth, Louis-Ferdinand Céline, il cinema di Ridley Scott e Stanley Kubrick, la musica di Lou Reed e dei Radiohead, lo sportivo Usein Bolt, e i cartoni animati Pimpa, a cui porgiamo uno speciale ringraziamento.

Dov’è stato mostrato in precedenza questo lavoro?
I tre ideogrammi sono stati mostrati in via Filzi 39, ma abbiamo lavorato in altre occasioni con il messaggio “ti amo”: all’Ecomuseo della pietra “Le Loze di Rorà”, Rorà (TO), dove abbiamo dedicato l’installazione ambientale a nostra figlia; alla fiera d’arte ARTissima 12, Torino; alla Galleria Madder 139 a Londra; alla Galleria Die Mauer e Mura di cinta via Pomeria (giardino d’infanzia) a Prato e anche allo Spazio SUC delle Murate a Firenze.

Lia Pantani e Giovanni Surace collaborano dal 1996.

Bert Theis
Growing House, 2004
Immagine di documentazione dell’intervento Growing House a Shenzhen, Cina

Growing House è un’installazione realizzata in occasione della The Shenzhen International Public Art Exhibition del 2004. L’area urbana di Shenzen ha registrato la crescita demografica più veloce al mondo nella seconda metà del Novecento. All’accelerazione e alla sovraccumulazione che caratterizzano queste megalopoli, Theis oppone un modello alternativo che promuove un’esperienza rispettosa dello spazio, tenendo presente sempre il fine, mai commerciale, dello spazio stesso. A Shenzen realizza un padiglione aperto sui quattro lati con copertura a vela sorretta da fusti di palme: l’architettura asseconda lo sviluppo organico, mutando l’altezza con il crescere degli alberi, e offre ai cittadini una zona di sosta e socialità.

Perché Growing House?
“Un antico modello abitativo che mescola la vita umana all’evoluzione della natura è il “nest dwelling”. Ispirandosi a questo ingegnoso modello, Bert Theis ha costruito una “growing house” [casa che cresce] tra una serie di palme, nel centro di un parco pubblico. Una piattaforma multilivello, dipinta di bianco, protetta da teli di cotone, che fornisce un fresco riparo agli incontri tra i cittadini e permette loro di riscoprire la città da un nuovo punto di vista. Quello che è più significativo è che la struttura intende crescere, almeno concettualmente, insieme all’ambiente naturale, alle palme che la sorreggono/circondano.”

Dov’è stato mostrato in precedenza questo lavoro?
L’installazione è stata realizzata nel 2004 per The Shenzhen International Public Art Exhibition, The Fifth System: Public Art in the Age of Post-Planning, a cura di Hou Hanru, a Shenzhen, Cina.

Bert Theis é nato a Lussemburgo nel 1952. Vive e lavora a Milano.

Francis Alÿs
Paradox of the Praxis I (Sometimes Doing Something Leads to Nothing), 1997
[Fotografia: Enrique Huerta]
Courtesy dell’artista

Paradox of the Praxis I (Sometimes Doing Something Leads to Nothing) è una fotografia dell’azione svolta nel 1997 dall’artista per le strade di Città del Messico.
Alÿs, di origine belga, ha stabilito il suo studio nel centro storico di Città del Messico a partire dai primi anni Novanta, e ha realizzato una serie di opere “a pochi passi” da questo studio per esaminare la vita di tutti i giorni nella megalopoli.
Il gesto di camminare attraversando la città con elementi di banalità apparente (lasciando cadere una riga di vernice da un barattolo di pittura, con un piccolo cane magnetico, disfacendo la maglietta tirandone un filo) diventa con lui una passeggiata d’impegno.
Questa azione come altre azioni dell’artista è stata registrata in video. Tutte sono creative commons e quindi liberamente visibili da tutti sul sito dell’artista.

Perché un blocco di ghiaccio?
Si tratta di un gesto che richiede uno sforzo assurdo, spingo un blocco di ghiaccio per tutto il centro della città per sei o sette ore fino a quando si scioglie completamente. Il sottotitolo dell’opera, Sometimes Doing Something Leads to Nothing [a volte fare qualcosa non conduce a nulla], è un’idea che parla degli sforzi frustrati che i residenti di Città del Messico compiono ogni giorno per migliorare le loro condizioni di vita. Sulle stesse strade che vediamo nel video e nella fotografia e intorno a noi, migliaia di residenti passano le giornate a spingere, portare o trainare merci o beni mobili. I risultati sono gli stessi: nulla da mostrare per tutto il duro lavoro.

Quali sono gli autori che hanno influenzato il tuo lavoro artistico?
La tradizione dei Situazionisti e Fluxus, ma mi sento partecipe della generazione di artisti messicani (alla quale appartengo, da Damian Ortega a Gabriel Orozco) che ha vissuto in Messico un ambiente di libertà, lavorando al margine delle istituzioni e svolgendo il proprio lavoro sulla strada e nei bar.

Dov’è stato mostrato in precedenza questo lavoro?
L’opera video è stata mostrata in molte occasioni, forse sarebbe anche impossibile elencarle tutte. Fra le sedi più importanti: Tate Modern Gallery di Londra, Wolfsburg Art Museum e Martin Gropius Bau a Berlino e MoMA di New York.

Francis Alÿs é nato ad Anversa, Belgio nel 1959. Vive e lavora a Città del Messico dal 1986.

link per scaricare pubblicazione

(Dryphoto当代艺术小组）我们是谁?

Dryphoto当代艺术小组是一个成立于1977年的非盈利性质的艺术空间，

一群艺术家以及文化工作者汇集一堂共同成立了该小组，来反思图像语言的独特性同时开展试验艺术项目并组织相应的展览。他们反思的内容包括了影像媒体所折射的语言符号含义，视觉机理以及对现实的再现。这种再现从人种学以及人类学角度远离所谓瞬间影像以及新闻摄影。

Dryphoto的展览总是聚焦在年轻前卫的艺术家，但是同时也不忘记那些资历深厚的艺术家。

考虑到此时此刻的概念，抛弃地方主义的杂念，Dryphoto从初始便不断找寻着与其扎根的土地以及与政治理念相关联的特殊关系。

其需求理念为跳出不同的会展场地，拒绝在高贵优厚的场所以及唯一化的官方场地。鉴于在世界范围内所出现的各类巨大变化，Dryphoto在了解其项目开展所在地的社会政治以及经济现状的基础上，创办跨领域的不同项目。

2010年，Dryphoto当代艺术小组迁址到目前所在地：via delle Segherie 33ª。现在该小组负责人为Vittoria Ciolini。与此同时Dryphoto是“理想的广场”项目的主办方。

Pantani-Surace
天空的高度与责任, 2014
纸上印图

艺术家致辞

《La responsabilità dei cieli e delle altezze（天空与高度的职责）》是一幅反映了2014年4月24日在Pistoiese大街142-146号举办活动场景时的摄影作品。而这一天正式宣告了《理想的广场》这一项目的诞生。

为了举办该艺术展示活动，特意制作了三块字模，每块字模上都刻有一个中国汉字。当三个字模合在一起时便组成了汉语中的“我爱你”。在活动举办当天，特意邀请那些正在广场附近散步，同时对该活动充满好奇的人共同参与：我们向他们讲述了在广场上将会发生的变化，所有的人都被邀请参与其中。

在活动开展之时，所有人都站在字模上向下跳，直到字模上的汉字被印在纸上。

之后这三个被印刷的汉字出现在广场的装饰物中间，直到露天环境下天气条件所能允许最长展示时间。

现在在2015年新一届展览期间，这幅承载着参加了上次艺术活动的街坊邻居们的照片不仅仅出现在Dryphoto的网页上，同时期展示该活动的影像以及其他图像资料，还将原本这一小范围内分享的时刻以艺术作品的姿态向更加宽广的人群进行展示。

在你们的艺术作品中，受到了哪些其他作者的影响?

例如作家 Philip Roth, Louis-Ferdinand Céline, Ridley Scott和Stanley Kubrick的电影作品, Lou Reed及Radiohead的音乐, 短跑运动员波尔特以及我们深深感谢的动画Pimpa。

该作品之前都在哪里展览过?

这三个字模在Filzi 39号展出过，但是先前我们就“我爱你”这句话已经进行了相应作品的展览，其中包括了意大利Ecomuseo della pietra, Ecomuseo Le Loze di Rorà博物馆献给我们女儿的主题展览，ARTissima 12 Torino的艺术博览会，伦敦Galleria Madder 139艺术廊,Galleria Die Mauer艺术廊，普拉托Pomeria道区（儿童公园）以及佛罗伦萨SUC Le Murate。

Lia Pantani和Giovanni Surace从1996年起共同开始合作。

Bert Theis
Growing House, 2004

影像纪录 Growing House在中国深圳展出情况

Growing House 是恰逢深圳第五届国际雕塑展之际，于2004年所做的展览项目。深圳这片大都市城区是20世纪下半叶世界上人口增长最快的地区。在这片以快节奏和高产量著称的大都市， Theis propone采纳了一种新的模式来体验对空间的不同的使用与尊重，尤其突出其非商业的目的。他架设了一个露天的场馆，在四周的棕榈树树干上拴上遮阳篷来遮挡太阳。 这中建筑完全自然生态化，其高度将伴随着树的生长而增高，同时也提供了一个聚会的场所。

为什么选择 Growing House?

其实该建筑模式起源于一种古老的住宅形式，结合了人类的生活以及自然的演化，将其称之为 “nest dwelling”。受到该模式的启发，Bert Theis设计了这种会“生长”的房子，并将其安置在了一座公园的棕榈树之间。期间有不同的高度，涂成白色，并用白色棉布进行保护，从而让市民可以更好更舒适提供享用这片遮阳之处提供的凉爽。

本作品在哪里展示过?

本作品创作于2004，为参加由侯瀚如策划的深圳国际当代雕塑展，此展主题为第五系统－后规划时代的公共艺术。

Bert Theis于1952年出生在卢森堡，目前居住工作在米兰。

Francis Alÿs
《现实中的矛盾 1 (结果与努力的反差)》, 1997
[摄影: Enrique Huerta]

《现实中的矛盾1（结果与努力的反差）》是一幅于1997年在墨西哥城不同街头由该名艺术家拍摄的作品。

Francis Alÿs（弗兰西斯ˑ阿力斯）是一位来自比利时的艺术家。他从上世纪90年开始便在墨西哥首都的老城区里开办了自己的工作室，并在距离其工作室不远的附近连续一直拍摄了他的一系列作品，从而来审视这座巨型城市里匆匆过客的生活。

带着不同的东西以各自的方式徜徉在这座城市里，有些举动似乎无关紧要（将罐中颜料用一根线洒出，线上有一个用磁铁做成的小狗，将其线衫上的线拉直）但是却赋予了这漫步特殊的意义。

同其他艺术家一样，此艺术行为也同样通过影像记录了下来。所有得到Creative Commons授权的录像均可在其网页进行观看。

为什么会选择一块冰?

我推着这块冰在整个市中心里走了差不多6到7个小时，直到冰完全被融化，这其实是一个非常耗力气的活儿。这件 作品的副标题：《结果与努力的反差》（有时候做一件事但是最终结果却一事无成）说的就是这种带有挫败感的努力，就像很多墨西哥人每日所做的那样，力图改善 他们的生活质量。就在我们所看到的影片中出现的街道周围，以及我们在《理想的广场》展览摄影作品附近的街道周围，其实由成千上万的人在他们工作期间要推 货，抬货以及运货。其实结果都是一样：在这份辛苦的工作背后没有什么特别需要展示的。

在你的作品中最主要受到了哪些艺术家的影响?

主要是受到了情境主义及激流派（Fluxus）的影响。但是我感觉我属于墨西哥艺术家这一代，例如达勉ˑ奥尔特加以及加布列尔ˑ奥洛斯科。我们一同在墨西哥生活，尽享了宽松自由的氛围。我们远离学院流派，主要在街道和酒吧来创作我们的作品。

该作品之前都在哪里展览过?

该影像作品在很多不同的地方进行过展览，或许甚至没有办法来依次把全部展出地点列举出来。最重要的展出地点包括了伦敦泰特现代艺术馆, 沃尔夫斯堡艺术博物馆、柏林马丁古鲁匹斯堡博物馆以及纽约现代艺术博物馆。

Francis Alÿs 于1959年出生在比利时 Anversa。从1986年其生活和工作在 Città del Messico。

请下载《理想的广场》宣传资料

 

 

 

 

 

 

 

Chi è Dryphoto arte contemporanea?

Dryphoto arte contemporanea è uno spazio no profit che inizia la propria attività nel 1977 in molteplici ambiti culturali, organizzando mostre, conferenze, spettacoli e workshop.
All’epoca, un nucleo di artisti e operatori culturali s’incontrava per confrontarsi sulle peculiarità del linguaggio fotografico, per creare progetti sperimentali e organizzare mostre. Riflettere sul significato linguistico del medium fotografico, sui meccanismi della visione e della rappresentazione della realtà significava allontanarsi dalle istanze della fotografia a carattere etnografico e antropologico e dalla linea del fotoreportage.
L’attività espositiva della galleria è caratterizzata da un’attenzione costante ai giovani, senza però dimenticare artisti già affermati.
Dryphoto ha da sempre cercato una relazione privilegiata con il territorio che abita, una vocazione politica che ci accompagna fino dalla nascita, lavorare tenendo conto del qui ed ora, senza cadere in nessuna sorta di provincialismo.
Dalla necessità di uscire dai vari cerimoniali espositivi, dal rifiuto di vivere solo in spazi ed ambiti privilegiati ed istituzionali siamo arrivati alla creazione di progetti che, attraverso il coinvolgimento di diverse figure professionali, tengono conto della realtà economica e socio-politica del territorio nel quale ci troviamo ad operare influenzata dai grandi cambiamenti avvenuti a livello globale.
Nel 2011 Dryphoto arte contemporanea si trasferisce nell’attuale sede di via delle Segherie 33a. La Direzione è affidata a Vittoria Ciolini. Dryphoto arte contemporanea è l’organizzatore di Piazza dell’Immaginario.

Andrea Abati
Borgo San Lorenzo, dalla serie La Forza della Natura, 2014
Courtesy dell’artista e Dryphoto arte contemporanea

Borgo San Lorenzo è formato da tre immagini, prese dal basso verso l’alto della pianta chiamata albero di Giuda ai lati e di un noce nel centro, che non solo ci mostrano la bellezza della natura, ma ci fanno vedere un cielo che sorveglia da un altro punto di vista quello che accade sulla terra. Sebbene Abati sia interessato ad approfondire l’idea di bellezza come la abbiamo imparata e sviluppata attraverso la storia dell’arte, qualcosa di gradevole e per ciò buona per noi, La Forza della Natura, accenna ad una visione della natura come un potere fuori dal nostro controllo. Infatti, gli scatti sono stati presi in un territorio distrutto da un grande terremoto, territorio devastato e ripreso dalla e grazie alla stessa natura.

Perché la natura?
Perché l’essere umano si ricordi che è un anello di una catena naturale. Perché nel riconsiderarsi un frammento del cosmo diventa necessaria una riattualizzazione del “naturale” e della natura.
Perché la natura è troppo antropizzata, anche se spesso lo dimentichiamo.
Perché non esiste bellezza senza ritrovare nella vita quotidiana lo spazio necessario al naturale e alla natura.

Quali sono gli autori che hanno influenzato il tuo lavoro artistico?
Gli artisti Joseph Beuys, Luigi Ghirri, Anibal Lopez, Gianni Motti, Bruno Munari, August Sander. Gli scrittori James Hillmann, Georges Perec e Peter Handke, il teorico Carl Gustav Jung, il poeta Rainer Maria Rilke. Il cinema di Wim Wenders e di Rainer Werner Fassbinder.

Dov’è stata mostrata in precedenza questa serie?
Questa serie è abbastanza recente, l’ho cominciata nel 2013.
Altre opere della serie sono state acquisite dal Nuovo Ospedale Santo Stefano di Prato e sono istallate nel reparto Ostetricia. Invece l’opera qui esposta, Borgo San Lorenzo, è stata pensata esattamente per questo spazio.

Andrea Abati è nato a Prato nel 1952. Vive e lavora a Prato.

Bleda y Rosa
Burriana, dalla serie Campos de fútbol, 1993
Courtesy degli artisti

Burriana, fotografia in bianco e nero che fa parte di Campos de fútbol, una serie di fotografie di diversi campi da calcio trattati come se fossero spazi quotidiani, spazi adatti per qualsiasi tipo di gioco e forse per la competizione di basso livello. Si tratta di spazi vuoti, abbandonati e in disuso, spazi periferici, a volte indeterminati, senza una specifica funzione e spesso definiti solo dall’uso che ne viene fatto e in questo momento è proprio la nostra memoria che ne determina di nuovo la funzione. Bleda y Rosa riflettono sul passare del tempo in relazione allo spazio geografico parlando di un genere di luogo e non di un luogo determinato, che però la nostra memoria riconosce come se fosse un suo luogo.

Attualmente Campos de fútbol fa parte della collezione del Museo Nacional Reina Sofía MNRS, Madrid, e del Centro Gallego de Arte Contemporáneo CGAC, Santiago de Compostela, Spagna.

Perché campi da calcio?
Campos de fútbol è il nostro primo lavoro insieme. Da quel momento le nostre fotografie sono il riflesso del nostro interesse e delle nostre ossessioni per questioni come il passare del tempo, il passaggio e la memoria. Questi campi da calcio ci ricordano quelli che incrociavamo nei nostri viaggi, un luogo perfetto per fare un esercizio di riflessione sui concetti appena accennati. In più questo genere di campi da calcio ha una carica emozionale e autobiografica, sono simili a quelli della nostra infanzia frequentati da Maria per vedere suo fratello giocare o quelli dove io, Jose Maria, andavo per provare a giocare a calcio insieme a mio padre.

Quali sono gli autori che hanno influenzato il vostro lavoro artistico?
I nostri riferimenti vanno dalle fotografie della Parigi in cambiamento di Eugène Atget ai teatri di Hiroshi Sugimoto. Dalle fotografie dell’Ovest Americano di Timothy O’Sullivan ai paesaggi britannici di John Davies. Dagli artisti della Land Art europea come Richard Long e Hamish Fulton ai concettuali come Fischli & Weiss.

Dov’è stata mostrata in precedenza questa serie?
Da quando l’abbiamo cominciata nel 1996 è stata esposta in tante città. In più è stata acquisita da due musei molto importanti, il Museo Nacional de Arte Reina Sofia MNARS di Madrid e il Centro Gallego de Arte Contemporaneo CGAC in Galizia, entrambi in Spagna.
È stata anche esposta nella sede del Club Diario Levante di Valencia, nella Sala El Roser a Lleida, alla Fundació Antoni Tàpies a Barcellona e nella Galería Pedro Oliveira a Porto.

María Bleda è nata Castellón, Spagna nel 1969 e José María Rosa è nato a Albacete, Spagna nel 1970. Lavorano in coppia dal 1992. Vivono e lavorano a Valencia.

R.E.P. Revolutionary Experimental Space
Patriotism. Hymn, 2007
Courtesy Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato

Il progetto utilizza un alfabeto di logotipi che forma un linguaggio universale. Giocando con la memoria collettiva, si ispira alla propaganda sovietica e alle tecniche di comunicazione politica che ancora permangono nella democrazia locale. Una miscela di ironia, umorismo e attività sovversiva, nascosta dal modo in cui vengono usati questi loghi, permette agli artisti di combinare vari stereotipi e pezzi di informazioni sull’Ucraina e l’Europa e di toccare temi come l’immigrazione, la diffusione della conoscenza o la corruzione.
Il murale Patriotism. Hymn è dedicato all’idea di un’Europa unita, ai suoi vantaggi e ideali, e anche alla figura dell’Altro, la cui impaziente attesa di riconoscimento e di inclusione aiuta l’Unione Europea ad apparire così desiderata.

Perché questi simboli?
Perché parlano di problemi inerenti alla vita di tutti noi e dei nostri desideri.

Dov’è stata mostrata in precedenza questa serie?
Patriotism è un progetto mobile che dal 2006 è stato presentato in USA, Olanda, Italia e altri paesi.
È presente nella collezione permanente del Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato.

I R.E.P. Revolutionary Experimental Space sono un gruppo fondato nel 2004, attualmente composto da Ksenia Gnilitskaya (Kiev, Ucraina, 1984), Nikita Kadan (Kiev, Ucraina, 1982), Zhanna Kadyrova (Brovary, Ucraina, 1981), Vladimir Kuznetsov (Lutsk, Ucraina, 1976), Lada Nakonechnaya (Dnepropetrovsk, Ucraina, 1982) e Lesia Khomenko (Kiev, Ucraina, 1980).

*** link per scaricare la pubblicazione

(Dryphoto当代艺术小组）我们是谁?

Dryphoto当代艺术小组是一个成立于1977年的非盈利性质的艺术空间，

一群艺术家以及文化工作者汇集一堂共同成立了该小组，来反思图像语言的独特性同时开展试验艺术项目并组织相应的展览。他们反思的内容包括了影像媒体所折射的语言符号含义，视觉机理以及对现实的再现。这种再现从人种学以及人类学角度远离所谓瞬间影像以及新闻摄影。

Dryphoto的展览总是聚焦在年轻前卫的艺术家，但是同时也不忘记那些资历深厚的艺术家。

考虑到此时此刻的概念，抛弃地方主义的杂念，Dryphoto从初始便不断找寻着与其扎根的土地以及与政治理念相关联的特殊关系。

其需求理念为跳出不同的会展场地，拒绝在高贵优厚的场所以及唯一化的官方场地。鉴于在世界范围内所出现的各类巨大变化，Dryphoto在了解其项目开展所在地的社会政治以及经济现状的基础上，创办跨领域的不同项目。

2010年，Dryphoto当代艺术小组迁址到目前所在地：via delle Segherie 33ª。现在该小组负责人为Vittoria Ciolini。与此同时Dryphoto是“理想的广场”项目的主办方。

Andrea Abati
Borgo San Lorenzo, serie La Forza della Natura, 2014
艺术家及Dryphoto当代艺术小组致辞

为何选择自然这一主题?

选择这一主题便是希望人类记得自己仅仅是自然链中的一环。在重新审视世界的某个片段之时，有必要回归到自然的展示以及展示自然。我们时常忘却自己在自然中过于浓墨重彩的一笔。倘若不能在我们的日常生活中回归找寻自然，也就无从找寻到美。

在你们的艺术作品中，受到了哪些其他作者的影响?

艺术家当中例如： Joseph Beuys, Luigi Ghirri, Anibal Lopez, Gianni Motti, Bruno Munari 以及 August Sander。作家则例如James Hillmann, Georges Perec 以及 Peter Handke, 理论家 Carl Gustav Jung 以及诗人 Rainer Maria Rilke。在电影领则包括了Wim Wenders 以及 de Rainer Werner Fassbinder.

这部作品先前在哪里进行过展览?

事实上这系列作品非常年轻，开始创作于2013年。该系列的其他作品已由普拉托Nuovo Santo Stefano医院购得，可以在其产科大楼观赏。在这里所展出的这套作品《Borgo San Lorenzo》，我想专门留在这里。

Andrea Abati 于1952年出生在普拉托，目前在该市居住和生活。

Bleda和Rosa
Burriana, 足球场系列, 1993
艺术家致辞

为何选择足球场?

足 球场是我们俩合作的第一幅作品。从我们第一幅摄影作品开始，便努力反映出我们对时光流逝、风景以及回忆等内容的独到兴趣。我们觉得那些经常在路途中被我们 穿越的足球场，恰恰是就我们刚刚提及的内容进行思考的最佳场所。此外这类“足球场”承载了我们自身很多情感，因为对于我们而言那里就像是我们的童年时光的 浓缩回忆（例如Maria会去那里看她哥哥踢球或是在那里我和父亲时不时踢上一脚球）。

在你们的艺术作品中，受到了哪些其他作者的影响?

我们所受到的影响主要包括了巴黎流派的Eugène Atget以及Hiroshi Sugimoto的戏剧。美国西部流派摄影的Timothy O’Sullivan 和英国风景摄影流派的John Davies。在欧洲Land Art艺术家则包括了 Richard Long和Hamish Fulton以及意识流派的Fischli & Weiss。

这部作品先前在哪里进行过展览?

从我们1996年进行的展览开始，一共巡展过许多不同的城市。其中就包括了两家具有重量级的艺术馆，分别是西班牙马德里的索菲亚皇后国家博物馆以及西班牙加利西亚当代艺术中心。此外还在瓦伦西亚莱万特日报俱乐部基地，列伊达El Roser展厅，巴塞罗那Antoni Tapies基金会以及Oporto的Pedro Oliveira画廊等。

María Bleda 于1969年在喀斯特翁出生，而José María Rosa则于1970年出生在阿尔贝赛特。 两人从1992年开始合作，目前均在西班牙瓦伦西亚市生活和工作。

R.E.P. Revolutionary Experimental Space

为什么选择了这些符号?

为了能够诉说我们大家生活中的固有的那些问题以及我们的期盼。

该作品先前在哪里进行过展览?

Patriotism Hymn是一个从2006开始的巡回流动展览，先后在美国、荷兰、意大利以及其他等国家进行过展览。

此外还是Luigi Pecci当代艺术中心固定展品之一。

R.E.P. 试验革命空间

该艺术小组成立于2004年。目前小组成员包括了Ksenia Gnilitskaya (基辅, 乌克兰, 1984 ), Nikita Kadan (基辅, 1982), Zhanna Kadyrova (布罗瓦里, 乌克兰, 1981), Vladimir Kuznetsov (卢茨克, 乌克兰, 1976), Lada Nakonechnaya (第聂伯罗彼得罗夫斯克, 乌克兰1982) 以及 Lesia Khomenko (基辅, 乌克兰,1980).

请下载《理想的广场》宣传资料